דיוקנאות מפורסמים: 100 ציורים מפורסמים

Le portrait est l'un des genres les plus directs de la peinture. Un paysage peut nous inviter à entrer, une nature morte peut nous retenir devant une table, mais un portrait nous attrape par les yeux. On y cherche une personne, un rang social, une émotion, un secret, parfois une petite moue qui dit clairement que le modèle avait mieux à faire ce jour-là. De la Renaissance à l'art moderne, le portrait sert à montrer le pouvoir, l'amour, la mémoire, la beauté, la fragilité et l'ego humain dans toute sa splendeur très bien éclairée.

La Renaissance donne au portrait une profondeur nouvelle. La Joconde de Léonard de Vinci, Ginevra de' Benci, les portraits de Raphaël, les figures de Van Eyck, Holbein, Titien ou Bronzino installent le visage comme un territoire psychologique. Le modèle n'est plus seulement un nom avec un beau vêtement : il devient une présence qui pense. Les mains, les yeux, les tissus, les bijoux et les arrière-plans racontent autant que la bouche. Et parfois la bouche, justement, refuse de conclure, ce qui explique pourquoi La Joconde travaille encore à temps plein dans l'imaginaire collectif.

Au XVIIe siècle, Rembrandt, Velázquez, Van Dyck, Rubens, Hals et Vermeer donnent au portrait des tempéraments très différents. Rembrandt creuse l'ombre et l'âge avec une humanité immense. Velázquez observe la cour avec une intelligence redoutable. Van Dyck fait briller l'aristocratie, Hals donne du mouvement au visage, Vermeer suspend une jeune fille dans une lumière si délicate qu'on hésite presque à respirer devant elle. La Jeune Fille à la perle n'a pas besoin d'un grand décor : un regard, une torsion, une touche de blanc, et la pièce devient soudain plus silencieuse.

Le XVIIIe et le XIXe siècle élargissent encore le jeu. Vigée Le Brun, Gainsborough, Reynolds, David, Ingres, Goya, Manet, Renoir, Sargent, Whistler et Cassatt peignent des portraits mondains, familiaux, politiques ou intimes. Certains modèles veulent afficher leur rang, d'autres semblent surpris d'être devenus immortels entre deux rendez-vous. La Loge de Renoir, Arrangement en gris et noir n°1 de Whistler, les portraits d'Ingres ou les femmes de Manet montrent que le portrait peut être élégant, social, ironique, tendre ou légèrement intimidant selon l'angle du chapeau.

Avec Van Gogh, Munch, Klimt, Modigliani, Schiele, Picasso ou Matisse, le portrait cesse de devoir ressembler sagement. Il exprime, déforme, simplifie, allonge, colore, inquiète, illumine. Chez Van Gogh, un visage peut avoir la tension d'un ciel d'orage. Chez Klimt, il devient icône décorative, presque bijou vivant. Chez Modigliani, les yeux en amande et les cous interminables donnent aux modèles une distance rêveuse. On reconnaît moins une personne qu'une façon d'être au monde, ce qui est parfois plus vrai qu'une photographie prise un mauvais mardi.

הדירוג הזה מעדיף דיוקנאות שיכולים לשאת סיפור: איקונים אוניברסליים, דיוקנאות עצמיים אינטנסיביים, דוגמניות מפורסמות, מבטים שסימנו תנועה, דמויות מהחברה הגבוהה, פנים אנונימיות שהפכו לבלתי נשכחות. היצירות המוכרות ביותר פותחות את הדרך, ואחר כך המסלול ממשיך אל דיוקנאות פחות צפויים אך מאוד מביעים. המטרה פשוטה מצד הקורא: לעבור ממבט למבט בלי הרגשה שממלאים טופס של מוזיאון — שאיפה סבירה, אפילו די מתורבתת.

בעיצוב פנים, דיוקן יוצר מיד מערכת יחסים. La Joconde משרה מסתורין, ורמיר מביא שתיקה, קלימט אור זהוב, רנואר את החיים החברתיים, ואן גוך עוצמה, מודיליאני את האלגנטיות המלנכולית, רמברנדט את העומק האנושי. צריך רק לקבל שדיוקן טוב יכול לשנות את האווירה בחדר מהר יותר מספה חדשה. למבט המצויר יש נימוס מוזר: הוא לא מדבר, אבל הוא אף פעם לא באמת נעדר.

הדיוקנאות המפורסמים מוצאים חן משום שהם מאחדים שני רצונות אנושיים מאוד: לזהות מישהו, ולגלות את מה שמתחמק מהזיהוי. הפנים שם, אבל הן שומרות על שוליים של מסתורין. ההסתייגות הזאת היא שגורמת למבט לחזור. דיוקן טוב מאוד אף פעם לא אומר הכול. הוא משאיר לדמיון כיסא ריק — ואז מעמיד פנים שאין לו קשר לעניין.