Top 50 · Figuration contemporaine
La figure revient toujours
Cinquante peintres qui ont renouvelé le portrait, le corps, le récit et le monde visible depuis l’après-guerre.
La peinture figurative contemporaine ne désigne ni un style unique ni un simple retour au réalisme. Après 1945, elle se développe à Londres autour de Bacon, Freud, Auerbach et Kossoff, se renouvelle aux États-Unis avec Neel, Katz ou Marshall, puis gagne des foyers aussi différents que Leipzig, Madrid, Pékin, Lagos, Anvers ou Vienne. Certains artistes partent du modèle vivant, d’autres de photographies, d’archives, de mythes ou d’images médiatiques. Ce classement évalue l’importance historique, l’invention picturale, l’influence sur plusieurs générations et la capacité de chaque œuvre à donner une forme neuve à l’expérience humaine.
La figure contemporaine ne copie pas le visible : elle interroge la manière dont les images, les corps et les mémoires se construisent.
Une famille ouverte
Qu’est-ce que la figuration contemporaine ?
Elle rassemble les pratiques qui conservent un lien reconnaissable avec le corps, le portrait, le paysage, l’objet ou la scène. Ce lien peut être précis, déformé, fragmentaire ou presque dissous. L’enjeu n’est pas d’imiter fidèlement le monde, mais d’utiliser la peinture pour en révéler les tensions physiques, sociales et psychologiques.
Des foyers multiples
Londres, New York, Leipzig, Madrid, Pékin et les scènes diasporiques
L’École de Londres a donné une importance décisive au modèle vivant et à la matière. New York a développé le portrait social, le montage postmoderne et une nouvelle peinture d’histoire. Leipzig a réinvesti l’imaginaire politique de l’Allemagne de l’Est, tandis que l’Espagne, la Chine et les scènes africaines ou diasporiques ont élargi les sujets, les mémoires et les traditions mobilisées.
Méthode du classement
Influence, invention, regard et portée historique
Les rangs combinent quatre critères : l’importance dans l’histoire de la peinture depuis 1945, l’originalité du langage pictural, l’influence exercée sur d’autres artistes et la capacité de l’œuvre à renouveler notre compréhension du corps ou du récit. La notoriété seule ne suffit pas, pas plus que la virtuosité technique isolée de tout projet.
Les figures majeures
Top 10 — Les peintres qui ont redéfini la figure
De Bacon à Doig, ces dix artistes ont maintenu ou réinventé la présence du corps et du monde visible lorsque l’abstraction, la photographie et l’art conceptuel semblaient déplacer la peinture.
#1
Francis Bacon
Bacon enferme ses figures dans des cages, des aplats et des espaces presque cliniques. Ses corps déformés ne renoncent jamais à la présence humaine : ils la rendent plus vulnérable, plus physique et plus difficile à oublier.
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#2
Lucian Freud
Freud transforme la séance de pose en expérience de durée. Sa pâte dense décrit la peau, la fatigue et le poids des corps sans flatterie, mais avec une attention si soutenue que chaque modèle acquiert une dignité monumentale.
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#3
David Hockney
Hockney relie la clarté graphique du pop art à une observation très personnelle des proches, des piscines et des paysages. Son œuvre prouve que la figuration peut intégrer photographie, collage, vidéo et dessin numérique sans perdre sa sensualité.
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#4
Gerhard Richter
Richter brouille des photographies familiales, historiques ou médiatiques pour interroger la confiance accordée aux images. Entre précision optique et effacement, ses tableaux figuratifs font de la mémoire un territoire instable.
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#5
Jenny Saville
Saville agrandit le corps jusqu’à remplir la toile et refuse les canons de beauté qui l’ont longtemps discipliné. Chairs comprimées, vues plongeantes et peinture charnelle donnent à ses modèles une puissance qui déborde le cadre.
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#6
Marlene Dumas
Dumas peint d’après des photographies qu’elle ralentit, dilue et charge d’ambiguïté. Visages d’enfants, célébrités, morts ou corps désirés deviennent des présences liquides où l’intime rencontre la politique du regard.
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#7
Alice Neel
Neel observe ses voisins, amis, militants, familles et artistes avec une franchise chaleureuse. Ses contours nerveux et ses espaces dépouillés enregistrent autant la position sociale du modèle que son humeur au moment de la pose.
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#8
Paula Rego
Rego met en scène contes, souvenirs, domination et résistance dans des images à la tension presque théâtrale. Ses héroïnes ne sont jamais décoratives : elles occupent l’espace, conspirent, souffrent et ripostent.
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#9
Georg Baselitz
Baselitz renverse ses figures dès la fin des années 1960 pour empêcher le sujet de devenir simple récit. Le corps demeure reconnaissable, mais l’inversion oblige à regarder d’abord la couleur, la touche et la construction du tableau.
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#10
Peter Doig
Doig part de photographies ordinaires pour construire des paysages mentaux traversés par l’étrangeté. Canoës, maisons et silhouettes semblent suspendus entre souvenir, cinéma et rêve, dans une peinture lente aux surfaces très travaillées.
Lire la notice WikipédiaLien vers l’article Wikipédia en françaisPortrait, réalisme et École de Londres
Rangs 11 à 20 — Regarder longtemps le réel
Le portrait, le nu, la ville et la mémoire photographique deviennent des laboratoires : la ressemblance ne suffit plus, il faut aussi rendre le temps, la matière et la tension d’une présence.
#11
Balthus
Balthus maintient une composition classique au cœur du XXe siècle tout en installant des situations silencieuses et troublantes. Ses intérieurs, rues et figures adolescentes donnent au quotidien la densité énigmatique d’une scène arrêtée.
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#12
Alex Katz
Katz simplifie les visages, les vêtements et les paysages en grands aplats lumineux. Cette économie, proche de l’affiche et du cinéma, saisit une sociabilité moderne sans renoncer à la précision d’un regard longuement exercé.
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#13
Fernando Botero
Botero dilate corps, objets et architectures pour créer un monde immédiatement reconnaissable. Sous l’apparente bonhomie des volumes, il aborde aussi violence politique, pouvoir religieux et mémoire colombienne avec une ironie grave.
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#14
Wayne Thiebaud
Thiebaud applique une matière généreuse aux gâteaux, vitrines, personnages et rues de San Francisco. Ses ombres colorées transforment les objets les plus familiers en constructions lumineuses, à la fois populaires et rigoureusement composées.
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#15
Frank Auerbach
Auerbach peint les mêmes modèles et les mêmes quartiers londoniens pendant des décennies. Il gratte, recommence et condense jusqu’à ce que quelques traits épais portent l’énergie d’une présence plutôt que sa simple ressemblance.
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#16
Leon Kossoff
Kossoff travaille la ville et le modèle vivant dans une matière lourde, souvent reprise jusqu’à l’épuisement. Ses gares, piscines, églises et portraits font sentir Londres comme un organisme dense, instable et profondément vécu.
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#17
Philip Pearlstein
Pearlstein retire au nu ses poses héroïques et ses symboles traditionnels. Les corps, parfois coupés par le cadrage et entourés d’objets, sont observés comme des formes complexes dans un espace concret et sans narration imposée.
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#18
Antonio López García
López García revient pendant des années sur un intérieur, un arbre ou une vue de Madrid afin d’en suivre la lumière exacte. Sa précision n’est pas photographique : elle mesure le temps et les changements presque imperceptibles du réel.
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#19
R. B. Kitaj
Kitaj assemble peinture, littérature, politique et mémoire juive dans des compositions proches du montage. Son expression « École de Londres » a aussi donné un cadre critique aux peintres figuratifs britanniques de l’après-guerre.
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#20
Neo Rauch
Rauch combine ouvriers, architectures, uniformes et fragments de propagande dans des scènes dont la logique reste volontairement incomplète. L’histoire est-allemande y revient comme un rêve industriel aux couleurs sourdes.
Lire la notice WikipédiaLien vers l’article Wikipédia en françaisMontage, histoire et néo-expressionnisme
Rangs 21 à 30 — Récits fragmentés et surfaces actives
Ces peintres réintroduisent mythes, histoire, cinéma, archives et gestes amples. Le tableau figuratif accepte le collage mental, les supports irréguliers et les récits volontairement incomplets.
#21
Luc Tuymans
Tuymans peint des images déjà médiatisées — cinéma, télévision, archives — dans une palette pâle et une touche rapide. Cette distance apparemment froide révèle la manière dont l’histoire et la violence se logent dans des images banales.
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#22
Anselm Kiefer
Kiefer confronte l’histoire allemande à la poésie, à la mythologie et aux matériaux en transformation. Paille, plomb, cendre et peinture font de la figure ou du paysage une surface de mémoire, lourde mais jamais refermée.
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#23
Eric Fischl
Fischl place le malaise au cœur des piscines, chambres et jardins de la classe moyenne américaine. Ses personnages semblent surpris dans un moment que le spectateur ne devrait peut-être pas voir, entre désir, gêne et menace.
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#24
David Salle
Salle superpose des images issues de l’histoire de l’art, de la publicité et de la photographie. Au lieu de résoudre leurs contradictions, il construit des tableaux où plusieurs registres visuels se disputent simultanément le sens.
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#25
Julian Schnabel
Schnabel peint sur velours, bâches, assiettes brisées ou supports trouvés afin que la surface participe au sujet. Ses portraits et figures associent ampleur gestuelle, culture populaire et goût assumé pour la fragilité matérielle.
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#26
Francesco Clemente
Clemente fait circuler le corps entre Naples, New York et l’Inde. Autoportraits, métamorphoses et signes empruntés à plusieurs traditions composent une figuration nomade où l’identité demeure mobile et contradictoire.
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#27
Odd Nerdrum
Nerdrum revendique les techniques anciennes et un imaginaire situé hors du présent immédiat. Ses voyageurs, naufragés et corps isolés habitent des paysages austères qui opposent la lenteur artisanale aux rythmes de l’art contemporain.
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#28
Miquel Barceló
Barceló épaissit, creuse ou craquelle la peinture jusqu’à faire surgir animaux, marchés, fonds marins et paysages. Ses séjours au Mali ont renforcé une pratique attentive au climat, aux matières locales et aux transformations du vivant.
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#29
Yan Pei-Ming
Yan Pei-Ming construit de grands portraits avec une palette réduite et une touche très visible. Mao, chefs d’État, inconnus et membres de sa famille partagent la même échelle, qui confronte image publique et mémoire intime.
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#30
Liu Xiaodong
Liu peint sur place des ouvriers, migrants, amis et communautés déplacées. Son réalisme direct ne transforme pas les modèles en symboles : il enregistre leurs gestes, leur environnement et les bouleversements sociaux qui les traversent.
Lire la notice WikipédiaLien vers l’article Wikipédia en françaisIdentités et scènes mondiales
Rangs 31 à 40 — Représenter depuis plusieurs histoires
De Pékin à Lagos et de Bogotá à New York, la figure devient un lieu où se négocient mémoire collective, diaspora, race, genre, pouvoir et droit d’apparaître dans l’histoire de l’art.
#31
Zeng Fanzhi
Zeng passe des corps hospitaliers tendus aux célèbres figures masquées, puis à des paysages gestuels. Dans chaque période, la surface élégante laisse affleurer l’anxiété produite par la modernisation et les rôles sociaux.
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#32
Zhang Xiaogang
Zhang s’inspire des portraits de famille de l’époque maoïste pour peindre des visages presque uniformes. Une tache, un regard ou une différence subtile fissure pourtant l’image collective et rend visible la mémoire privée.
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#33
Kerry James Marshall
Marshall place des figures noires au centre de formats et de genres longtemps dominés par des récits blancs. Scènes domestiques, jardins, ateliers et peintures d’histoire deviennent les lieux d’une présence pleinement construite.
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#34
Kehinde Wiley
Wiley reprend les poses de la peinture de cour pour représenter des modèles noirs rencontrés dans la rue ou choisis par casting. Les motifs décoratifs envahissent la figure et déplacent les codes visuels de l’autorité.
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#35
Amy Sherald
Sherald peint ses modèles sur des fonds colorés et utilise une gamme de gris pour la peau. Cette décision écarte le réalisme chromatique afin de concentrer le regard sur la pose, le vêtement et la construction sociale du portrait.
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#36
Njideka Akunyili Crosby
Akunyili Crosby compose des intérieurs où peinture, dessin et transferts photographiques entremêlent Lagos et Los Angeles. Les scènes intimes rendent visible une identité diasporique faite de couches, de souvenirs et de références partagées.
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#37
Lynette Yiadom-Boakye
Yiadom-Boakye invente des personnages noirs sans modèle direct ni récit biographique. Peints rapidement dans une palette retenue, ils semblent appartenir à une histoire plus vaste que le tableau laisse volontairement ouverte.
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#38
Toyin Ojih Odutola
Ojih Odutola traite la peau comme un territoire de lignes, de stries et de lumière. Ses portraits et cycles narratifs imaginent des familles, des classes et des mondes alternatifs qui déplacent les lectures immédiates de la race et du pouvoir.
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#39
Gérard Garouste
Garouste relit la Bible, Cervantès, Dante ou Rabelais sans illustrer docilement leurs textes. Ses figures contorsionnées et ses métamorphoses font de la peinture un outil d’interprétation, de doute et de retour critique aux récits fondateurs.
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#40
Faith Ringgold
Ringgold unit peinture, récit et quilt pour raconter l’expérience noire américaine depuis un point de vue féminin. Ses bordures textiles et ses textes donnent à l’image la force d’une histoire transmise, contestée et réinventée.
Lire la notice WikipédiaLien vers l’article Wikipédia en françaisLa figure aujourd’hui
Rangs 41 à 50 — Corps, communauté et nouvelles narrations
Les dernières positions montrent une figuration pleinement contemporaine : consciente des images anciennes, mais libre d’intégrer satire, identité queer, autobiographie corporelle et mémoire politique.
#41
Cecily Brown
Brown fait apparaître puis disparaître les corps dans une peinture rapide, dense et sensuelle. La figuration se découvre par fragments, entre citations de maîtres anciens, énergie abstraite et scènes de désir.
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#42
Elizabeth Peyton
Peyton peint artistes, amis, écrivains et figures historiques dans de petits formats lumineux. L’échelle intime et la touche fluide assument l’admiration tout en donnant aux modèles une fragilité éloignée du portrait officiel.
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#43
Nicole Eisenman
Eisenman mêle références savantes, humour, culture queer et scènes de groupe. Ses personnages maladroits ou mélancoliques décrivent les manières contemporaines d’être ensemble sans idéaliser la communauté.
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#44
John Currin
Currin adopte la virtuosité et les distorsions du maniérisme pour peindre des figures contemporaines. L’élégance technique rend ses images volontairement inconfortables, entre admiration, caricature et critique des conventions du goût.
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#45
George Condo
Condo démonte le portrait classique en combinant plusieurs expressions et points de vue sur un même visage. Ses personnages fictifs semblent à la fois familiers, grotesques et profondément humains.
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#46
Michaël Borremans
Borremans peint avec une précision héritée des maîtres anciens des personnages occupés à des actions impossibles à expliquer. Le décor sobre et la lumière contrôlée transforment chaque scène en rituel ambigu.
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#47
Claire Tabouret
Tabouret travaille à partir de photographies de groupes, d’enfants, de couples ou d’elle-même. Ses couleurs acides et ses regards frontaux font du portrait un espace où appartenance et isolement restent en tension.
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#48
Adrian Ghenie
Ghenie mêle figures historiques, images d’archives et accidents de matière. Le visage se brouille sous les raclures et les coulures, comme si la peinture testait ce qui reste visible après les catastrophes du XXe siècle.
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#49
Maria Lassnig
Lassnig peint non pas l’apparence du corps, mais les zones qu’elle ressent de l’intérieur. Ses autoportraits aux couleurs dissonantes donnent une forme directe à la pression, au vide, à la vulnérabilité et au vieillissement.
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#50
Miriam Cahn
Cahn peint des corps frontaux, lumineux ou presque transparents, confrontés à la guerre, au désir et à la migration. La simplicité apparente du geste donne à chaque figure une présence urgente, parfois tendre, souvent inquiétante.
Lire la notice WikipédiaLien vers l’article Wikipédia en françaisSources et prolongements
Voir la figuration dans les collections publiques
Les musées permettent de comparer directement les œuvres, leurs formats et leurs contextes. Ces ressources complètent le classement par des notices, des expositions et des collections de référence.
À lire sur Alpha Reproduction
La figuration contemporaine n’est pas un retour en arrière
Ces cinquante parcours montrent au contraire une peinture capable d’absorber la photographie, le cinéma, l’archive, les luttes politiques et les circulations mondiales. La figure reste reconnaissable, mais elle n’est jamais neutre : elle porte une histoire du regard, des conventions sociales et des images qui l’ont précédée.
De la chair travaillée de Freud et Saville aux récits de Rego, Marshall ou Ojih Odutola, du réalisme patient de López García aux montages de Salle et Rauch, chaque artiste propose une réponse différente à la même question : comment rendre une présence humaine encore active dans un monde saturé d’images ?
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